Dalcroze教学法

达尔克罗兹（Dalcroze）教学法：

1.主要原则

达尔克罗兹教法学是连接音乐和身体的运动导致艺术能力发展身体与音乐之间的天然结合的音乐教育法。三个主要科目有：节奏，艺术音乐理论与即兴创作。

达尔克罗兹的节奏法不仅仅是教授“学习节奏，”它是感官体验，学生随着音乐用肢体来表达音乐的含义，可利用听觉和节奏感，并做出自己感觉出来的动作来表达每段音乐的不同含义。来提高学生的综合音乐肢体感知能力。

通过刺激全身运动技能，任何年龄的业余学生或专业的音乐家都要通过学习音乐感知和意识来用身体表达音乐的含义，就好像自己的身体来作为一个乐器，由身体感觉到音乐并传输出要表达的音乐信息。

节奏的概念：小节，规律，脉动，有关于时值......就好像和声和旋律的概念：音阶，调性，音程，和弦，乐句......随着行动、游戏、即兴、反应练习、协调性或分解动作，从而使学生实现基于身体分析记忆法与音乐理论概念的相结合能力。

制定专业的练习来发展听觉与运动技能，记忆力训练和注意力集中，训练敏感性，自发性和快速的表现能力。他们激发创造力，促进整个身心感官，情感和智力的融合。

因此，发展练习音乐听力是基于整个积累来安排脑力与听力的经验，与周围的空间连接。

这种练习自然的延伸出两个方向上：

- 首先是学习音乐理论方向，这个课程可以使针对乐器类的学生达到一个快速了解音乐和乐器的方法以及音乐的即兴创作，为学生提供一个捷径的方法。

- 其次是学习技术和肢体表达方向，这个课程可以使针对艺术舞蹈和舞谱创作有极大的发展与帮助。

达尔克罗兹教师的教学方法，是有独特理解的，并不能说是运用严格的“方法”，它是通过不同素材积累的经验结合固定的教学目录，但是发明的这门课程的运行是从不同学生身上启发出来，并从他们个人的理解来制定内容不同的发展方向。

然而，它是基于精确的方法，这种精确教学法是从教学的实践经验中和集中的课程中获取的。

这个方法加强和推动了即兴创作，器乐演奏，声乐演唱和肢体协调性运动，它可以创造音乐或是音乐游戏并专门为不同领域而设计的。

达尔克罗兹适合于所有年龄段的人群，所有级别的学生（初学者到最高级）。

在当今法国，这种方法是目前很流行的一个专业，它被各大音乐学院所使用，它结合着不同的音乐教育结构内容，并帮助传统的音乐理论教育计划，只是教学方式有所不同。

为专业的音乐、舞蹈学者或是肢体协调性培养，它提供了他们的个人技能演练的新视角。

业余爱好者，儿童，青少年，成年人或老年人，这门课程使他们生动地访问和了解自己的意识和发现艺术的乐趣。

达尔克罗兹做法同样也是有益于提高自我身价，激发内心的热情、引起作家、艺术家等人群的创作激情，调动积极性，提高自信心、听觉、自我认知和身体整个协调性能力。

2.多样性

音乐与肢体运动之间的关系，尤其是通过相互影响的时间 - 空间 – 精力，达尔克罗兹方法是针对于艺术（音乐，舞蹈，戏剧......）以及治疗性（精神运动，残疾）。

从Mary Wigman（Jaques-Dalcroze的学生），Jaques-Dalcroze，Marie Rambert他们创立了“自由舞蹈”，同样的参与了S. Diaghilev和Nijinski的俄罗斯芭蕾舞团出演I.Stravinsky的“春之祭”的一切训练与编排，现代舞出现和发展是与节奏有着密切的关系。

Rudolf Laban，Emile Jaques-Dalcroze特别的影响了德国编舞二十到三十年。 A.Hellerau（德国）在这十年间，与Adolphe Appia合作，发明了一种新的舞台表演空间（教室“中性的，中立的”，灵活的空间，几何楼梯可变动的）。在音乐家们看来，接触这些有时是比较困难的：所以Emile Jaques-Dalcroze打破了习惯和传统的教育理念。他在美国和盎格鲁 - 撒克逊，斯堪的纳维亚和东欧，日本等较为明显的成功。Dalcroze教育学被许多高等的音乐学院所使用（纽约：卡内基 - 梅隆大学，曼彻斯特皇家音乐学院，法国贝尔高等音乐学院和戏剧艺术，波兰华沙Akademia Muzyczna音乐学院，法国各大高等音乐学院等 ...）。Dalcroze也被称为“积极方法”，在二十世纪初Emile Jaques-Dalcroze就开始研究这个新的课程。目前，Dalcroze的多样性反映了其创始人的意愿和他独有的教学方法，以及其丰富的可能性、多样性。

课程视频展示

La pédagogie Dalcroze:

1. Principes

La pédagogie Dalcroze est une méthode d'éducation musicale qui met en relation les liens naturels entre le mouvement corporel et le mouvement musical conduisant au développement des facultés artistiques de celui ou celle qui la pratique. Les trois matières principales  sont: la Rythmique, le Solfège et l’Improvisation.

La rythmique Jaques-Dalcroze n’est pas une pédagogie pour « apprendre les rythmes », c’est une méthodologie complète qui permet de vivre sensoriellement toutes les notions musicales nécessaires au développement des capacités auditives et rythmiques de l’élève.

A travers la stimulation de la motricité globale, la perception et la conscience corporelle sont travaillées et permettent au musicien amateur ou professionnel de tout âge, de vivre son propre corps comme premier instrument, celui par lequel sa musicalité est ressentie et transmise.

Les notions rythmiques: mesure, carrure, pulsation, rapport des durées… comme les notions harmoniques et mélodiques: gammes, tonalités, intervalles, accords, phrasé… sont vécues à travers le mouvement, le jeu, l’improvisation, les exercices de réaction, de coordination ou de dissociation et deviennent ainsi une réalité concrète pour l’élève qui s’appuyant sur un souvenir corporel passera à l’analyse en ayant la possibilité de relier l’expérience vécue à un concept solfégique.

Ces exercices spécifiques développent conjointement les aptitudes auditrices et motrices, entraînent la mémoire et la concentration, éduquent la sensibilité, la spontanéité et la capacité de représentation rapide. Ils stimulent le pouvoir de création et favorisent une intégration harmonieuse des facultés sensorielles, affectives et mentales de tout l’être.

Le développement de l’oreille musicale se fonde par conséquent sur l’expérience de l’organisme entier, en relation avec l’espace qui l’entoure.

Il trouve son prolongement naturel dans deux directions:

- d’une part dans l’étude du solfège, qui débouche à son tour sur la pratique d’un instrument et l’improvisation musicale.

- d’autre part dans l’étude de la technique et de l’expression corporelles, qui débouchent sur la danse artistique et la création chorégraphique.

Le professeur dalcrozien n’applique pas à proprement parler une « méthode », tel un corpus d’exercices ou un répertoire figé, mais invente son cours en fonction de ses élèves, de leur compréhension, des individualités.

Il s’appuie cependant sur une méthodologie précise, et sur une expérience pratique acquise de manière intensive au cours de ses études.

Sa formation poussée en improvisation, instrumentale, vocale et corporelle, lui permet d’inventer des musiques ou des jeux adaptés précisément à l’instant et au groupe présent.

La méthode Dalcroze s’adresse aux personnes de tous âges, et de tous niveaux (débutants à supérieurs).

En France, aujourd’hui, cette méthode est enseignée dans certains conservatoires et dans différentes structures d’enseignement musical où elle permet d’enseigner les mêmes programmes de formation musicale qu’un cours de solfège traditionnel, seule l’approche diffère.

Aux professionnels de la musique ou du mouvement, elle offre un nouveau regard sur l’exercice de leurs compétences personnelles.

Aux amateurs, enfants, adolescents, adultes ou seniors, elle procure les moyens d’accéder de façon vivante à la conscience d’eux-mêmes et au plaisir de la découverte artistique.

La pratique dalcrozienne est aussi une expérience humaine valorisante, suscitant enthousiasme, confiance, écoute et connaissance de soi comme du groupe.

2. Diversité

S’interrogeant sur les rapports entre musique et mouvement, notamment à travers les interactions temps – espace – énergie, la démarche dalcrozienne est au centre de nombreuses démarches artistiques (musique, danse, théâtre…) mais aussi thérapeutiques (psychomotricité, handicap).

Depuis Mary Wigman, élève de Jaques-Dalcroze et initiatrice de la « danse libre » ou Marie Rambert, élève également puis professeur auprès des ballets russes de S. Diaghilev et assistante de Nijinski pour le « Sacre du printemps » de I.Stravinsky, la danse contemporaine a noué très tôt des liens étroits avec la Rythmique.

Contemporain de Rudolf Laban, Emile Jaques-Dalcroze a notamment influencé les chorégraphes allemands des années 20 et 30. A Hellerau (Allemagne) dans les années 10, en collaboration avec Adolphe Appia, s’invente un nouvel espace scénique (salle « neutre », espace modulable, escalier à géométrie variable).Auprès des musiciens, le contact est parfois plus difficile: Émile Jaques-Dalcroze bouscule les habitudes et la conception traditionnelle de l’enseignement. Il connaîtra d’abord un succès plus évident aux États-Unis et dans les pays anglo-saxons, scandinaves ou d’Europe de l’est, ainsi qu’au Japon. La pédagogie dalcrozienne est enseignée dans les conservatoires supérieurs de musique (Carnegie-Mellon University de New York, Royal College of Music à Manchester, Haute Ecole de Musique et d’Art dramatique de Bienne, Akademia Muzyczna de Varsovie…)   Elle est également l’une des premières méthodes d’enseignement musical appelée « méthodes actives », puisque Emile Jaques-dalcroze a commencé ses recherches pédagogiques au début du XXème siècle.Actuellement, la diversité des démarches dalcroziennes reflète à la fois la volonté de son fondateur de ne pas figer son enseignement, et la richesse de ses possibilités.